Se c'è una cosa che ci ha insegnato Troy di Wolfgang Petersen è che, ai produttori americani, poco importa di rappresentare sullo schermo la profondità della mitologia greca, riducendo l'adattamento dell' Iliade di Omero ad una parata di combattimenti con eserciti immensi e flotte che riempono i mari, lasciando una piccola divagazione "divina" per spiegare la natura del punto debole di Achille situato nel famoso tallone. Una trentina di anni fa le cose erano diverse, il cinema era sicuramente diverso, ma non si aveva certo paura di portare all' attenzione del pubblico quasi, se non completamente, a digiuno di storia greca, racconti legati alla sua mitologia, film che ne raccontano i personaggi e le leggende rimanendo allo stesso tempo prodotti di puro intrattenimento. Un esempio calzante è sicuramente Scontro di Titani, risalente all' ormai lontano 1981, incentrato sulla storia di Perseo, figlio di Zeus, e del suo viaggio per salvare la bella Andromeda scelta dalla dea Teti come vittima sacrificale per punire la madre della ragazza. Costruito sull' impianto narrativo tipico dei film d'avventura, con tanto di percorso a tappe che si conclude con il salvataggio/liberazione della bella di turno e coronamento romantico del loro amore, Scontro di Titani aggiunge l'elemento mitologico: ci sono le divinità (Zeus, Era, Teti, Afrodite, Poseidone e Atena), guidate da sentimenti molto poco "divini" come gelosia, lussuria, vendetta, che giocano con il destino degli uomini quasi per capriccio, e ci sono le creature leggendarie come Pegaso, Medusa, Caronte e il Kraken, che prendono vita grazie grazie agli effetti visivi di quello che a tutt'oggi riconosciuto come uno degli assoluti maestri della stop-motion, Ray Harryhausen. Certo, gli effetti speciali nel cinema si sono evoluti in maniera esponenziale nel corso degli anni anni, e per film di Desmond Davis questi anni pesano irrimediabilmente come un macigno, ma ancora oggi è possibile apprezzare le soluzioni visive apportate per comporre sequenze con attori in carne e ossa e le "creature" animate di Harryhausen, come il deforme Calibos, l' inquietante Medusa o il "titanico" Kraken.
Come si diceva poco sopra, a quasi trent'anni dal film di Davis, l' industria cinematografica hollywoodiana ha fatto passi da gigante soprattutto in ambito tecnologico e gli affascinanti effetti visivi di Harryhausen sono stati completamente sostituiti da un' imperante uso della computer grafica. Quale migliore occasione allora per riproporre oggi lo "Scontro tra Titani"? A Hollywood poi non si butta via niente e visto che la moda (o piaga?) del remake non accenna certo a scemare, si prendono un po' dei costumi avanzati dal su citato Troy, si ricalcano gli slanci plastici di Brad "Achille" Pitt su Sam "Perseo" Wartinghton e si affida il tutto a Louis Leterrier, uno che con L' Incredibile Hulk ha perlomeno dimostrato di saper girare delle pregevoli sequenza d'azione senza abbandonarsi alla concitazione caotica di molti suoi colleghi. Ad anche in questo caso è proprio la sua regia a regalarci le cose migliori del film, lo scontro con Calibos, quello con gli scorpioni o l' imponente attacco del Kraken. Neanche ci fosse bisogno di dirlo il punto debole del film sta nella sceneggiatura: tutto quello che c'era di buono nel film di Davis è stato "ripulito" da una riscrittura dello script del 1981 di Beverley Cross, per mano di tre sceneggiatori che hanno pensato bene di rendere tutto molto, ma molto scialbo. Pensando forse che al pubblico di oggi poco importa l'aspetto accattivante di divinità soggette a vizi e virtù tipiche dell' essere umano, hanno ridotto la storia ad una ribellione dell' uomo verso gli Dei dell' Olimpo fomentata dal Dio degli Inferi, Ade (un Ralph Fiennes quasi inguardabile), desideroso di vendetta nei confronti di suo fratello, Zeus (Liam Neeson vestito come un Cavaliere dello Zodiaco), il tutto infarcito con richiami più o meno espliciti alla saga fantasy per eccellenza (che non citerò). In tutto questo Perseo gioca il ruolo del figlio di papà, un continuo "gne gne gne divinità cattive mi avete ucciso la famiglia", "gne gne gne sono figlio di Zeus ma combatto come un uomo", "gne gne gne non mi servono i doni di mio padre", che però alla fine Gemma Arterton mica la rifiuta. Ne risulta l' ennesimo rifacimento dove Hollywood punta al ribasso riducendo un filmetto, già di per se con poche frecce al suo arco, al solito vuoto spettacolo di effetti speciali.
Per parlare dell' ultima fatica di Roman Polanski si potrebbe anche partire dalla fine, da quell' ultimo splendido fotogramma che, con un semplice fuoricampo, non solo riesce ad incorniciare un finale praticamente perfetto, ma a definire ancora di più la figura del protagonista, il ghost writer che da anche il titolo al film (nella versione originale almeno). Vengono definiti così quegli scrittori incaricati, come nel caso in questione, di redigere libri che saranno poi accreditati ad altri. Per sua stessa funzione il ghost writer rimane nell' ombra di quello che risulterà poi il vero autore del libro, senza che il suo nome venga mai citato. Quasi a voler ancora di più sottolineare il suo ruolo, il protagonista del film non viene mai chiamato per nome anzi, la sua figura viene spesso assimilata a quella del suo predecessore, morto per annegamento dopo essere caduto in mare da un traghetto, che si trova così a sostituire per redigere la biografia dell' ex Primo Ministro britannico. Le misteriose e sospette circostanze intorno alla morte del precedente ghost writer unita all' improvvisa imputazione per crimini di guerra che grava sul suo datore di lavoro, porterà il personaggio interpretato da un bravo Ewan McGregor ad indagare sui pericolosi segreti di uno degli uomini politici più influenti al mondo. Con uno script tratto dall' omonimo romanzo di Robert Harris (adattato dallo stesso autore), Polanski intrappola il protagonista in una situazione da "intrigo" hitchcockiano, e lo spettatore in un thriller fantapolitico (anche se sono tutt'altro che nascosti i paralleli con la figura di Tony Blair e i suoi rapporti con gli USA durante la guerra in Iraq) dal ritmo contenuto ma implacabile, straordinariamente riuscito grazie all' insieme delle sue parti: la già citata sceneggiatura fa coppia con una regia che esalta la scelta delle ambientazioni e delle scenografie restituendo allo spettatore tutto il senso di smarrimento del protagonista. Ultimo ma non ultimo c'è da considerare l'apporto del cast, che partendo da Ewan McGragor sfoggia un parco attori tutti in grande spolvero anche nei ruoli minori (Jim Belushi), da Pierce Brosnan ai ruoli femminili interpretati da Kim Cattrall e da una mai troppo celebrata Olivia Williams.
Un gruppo di uomini unicamente vestiti con slip da bagno, maschera, boccaglio e pinne, picchiano selvaggiamente un malcapitato sconosciuto. Fin da questa prima inquietante sequenza, Exodus si candida come il film più surreale di Pang Ho-Cheung e quello che segue non fa che confermare questa prima impressione: il poliziotto Tsim Kin-Yip (Simon Yam) si trova a dover sostituire un collega nel raccogliere la deposizione di un uomo (un dimesso e occhialuto Nick Cheung) arrestato per essersi intrufolato in una toilette per donne con tanto di videocamera. L'uomo in un primo momento afferma che la sua unica intenzione era di raccogliere prove circa un "sindacato di donne assassine" intenzionate ad uccidere tutti gli uomini, ma cambia la sua versione dei fatti dopo aver ricevuto la misteriosa visita di un ufficiale donna (una inquietante Meggie Sue). Insospettito da questa particolare intromissione, Yip comincia ad indagare per scoprire fino a che punto le storie raccontate dall' uomo sono pure e semplice farneticazioni. Il regista di Hong Kong ci conduce insieme al suo protagonista in un lento ma inesorabile sprofondare nel sospetto e nella paranoia, all' ombra di un possibile complotto di proporzioni inimagginabili "troppo assurdo per essere vero, ma non per questo necessariamente falso". Ma proseguendo su percorsi tematici già seguiti con Beyond Our Ken, Pang Ho-Chenung racconta le dinamiche di coppia, il rapporto/battaglia tra uomo e donna, insinuando il sospetto che l' ossessione per le indagini di Yip altro non sia che una via di fuga dal logorio della vita di coppia. Il tutto è diretto con la mano sicura di chi ha raggiunto una sorta di maturazione nel proprio percorso registico, arrivando ad una forma sempre più essenziale ben distante da quella vista nei primi film dell' eclettico regista hongkonghese.
I racconti di Roald Dahl hanno sempre suscitato particolare interesse a Hollywood e a tutt'oggi sono diversi i film tratti dai suoi libri (Gremlins, Willy Wonka e la Fabbrica di Cioccolato, James e la Pesca Gigante ecc.). Nel processo di trasposizione cinematografica, tanto di un racconto quanto di un romanzo, credo conti a pari merito sia la fedeltà al testo originale in fase di sceneggiatura (e questo non significa che deve essere preso e ricopiato parola per parola, ma che perlomeno non ne vengano snaturati i contenuti) quanto il "tocco" personale del regista. Esempio calzante di una riuscita commistione tra questi due elementi, penso possa essere La Fabbrica di Cioccolato di Burton e probabilmente ancor di più Fantastic Mr. Fox di Wes Anderson. Per quanto i suoi film siano sempre particolarmente colorati e popolati da personaggi sopra le righe, era difficile immaginare il regista americano impegnato in un film d'animazione in stop-motion la cui storia è incentrata su di una volpe che proverbialmente "perde il pelo ma non il vizio": Fox, questo il suo nome, decide di mettere la testa a posto quando la compagna rimane in cinta e da spietato cacciatore di oche e galline diventa giornalista. Ma la sua natura repressa di cacciatore lo inguaia con tre dei più pericolosi allevatori della zona finendo per mettere in pericolo la sua famiglia e tutta la piccola comunità di animali nella quale vive. Bastano i primi cinque minuti del film, l' introduzione di Mr. e Mrs. Fox e la seguente sortita in un pollaio, perché tutti i dubbi svaniscano, perché in un attimo sia riconoscibile la mano di Anderson: la prima carrellata laterale, le "parentesi" con le quali vengono introdotti i personaggi, la suddivisione in capitoli con tanto di didascalia, l'utilizzo e la ricercatezza della colonna sonora sono tutti elementi stilistici che in qualche modo hanno contraddistinto la sua filmografia e che qui si ritrovano perfettamente integrati alle tecniche d'animazione passo uno. Ma anche da un punto di vista narrativo il film presenta elementi e tematiche ricorrenti nel cinema di "andersoniano" che si fondono con la storia originali di Dahl. La sceneggiatura infatti, adattata dallo stesso Anderson in collaborazione con Noah Baumbach, verte su alcune tematiche molto care al regista, quali l' importanza dei legami familiari con un occhio di riguardo alla figura paterna e, neanche ci fosse bisogno di dirlo, quella di Mr. Fox si va ad affiancare a quelle ormai storiche di Herman Blume, Royal Tenenbaum e Steve Zissou. Il cast scelto per dare le voci ai personaggi del film vede oltre gli storici amici di Anderson (Bill Murray, Jason Swartzman, Owen Wilson) alcune felici new entry (George Clooney, Maryl Streep, Willem Dafoe) rendendo quasi d'obbligo la visione della pellicola in lingua originale. Ma al di là di questo Fantastic Mr. Fox è un film che non si fa fatica ad amare perchè, pur non essendo tecnicamente (almeno a livello d'animazioni) all' altezza di quel piccolo capolavoro che è Coraline, ne la migliore pellicola del buon Wes, ne possiede tutto il cuore e tanto basta.
Ad Haneke piace giocare con lo spettatore, lo sappiamo bene. Gli piace provocarlo in maniera sfacciata, privarlo di qualsiasi certezza negandogli il ruolo passivo di chi sta dall'altra parte dello schermo, aspettando che gli venga raccontata/mostrata una storia che si muova seguendo punti fermi quali inizio, svolgimento e conclusione. Il regista di origini austriache non vuole questo tipo di spettatore ma preferisce mettere il pubblico in una posizione il meno confortevole possibile, renderlo partecipe quasi come se si trattasse di uno dei protagonisti: lo rende complice come in Funny Games. Lo trasforma in voyeur come in Caché. O ancora lo rende un testimone come nel suo ultimo e bellissimo Il Nastro Bianco. Ma testimone di cosa? Testimone di una verità innominabile, troppo agghiacciante per poter essere anche solo presa in considerazione e che perfino i personaggi del film fanno finta che non esista. Lo stesso Haneke, dopo aver condotto la pellicola lasciandoci intendere la precisa intenzione di svelare il mistero dietro gli inquietanti accadimenti che lentamente sconvolgono la vita di una piccola comunità tedesca, ci lascia senza una risposta che forse non c'è bisogno di esplicitare perchè è sotto i nostri occhi, scritta col sangue sulle pagine della nostra storia recente. La regia di Haneke e la splendida fotografia in bianco e nero (mai troppo celebrata) di Christian Berger catturano con precisione la gelida austerità che aleggia sulla bucolica comunità nel nord della Germania a pochi mesi dallo scoppio della Prima Guerra Mondiale. Una serie di "incidenti" sempre più gravi e violenti ne sconvolge l'apparente tranquillità portando a galla tutto il marcio che nessun perbenismo di facciata potrebbe contenere. Haneke ci mostra, a suo modo, una violenza (fisica, psicologica, morale) che si consuma dietro porte chiuse, nel buio delle case, o sotto gli occhi dei più innocenti. E così, una rigida educazione religiosa, punizioni corporali, incesti, nastri bianchi come marchi d' infamia, ingravidano una nuova generazione che da li a pochi anni partorirà uno dei più grandi orrori che l'umanità abbia mai conosciuto.
Nell' agosto del 1999, mentre Macao stava per tornare territorio cinese, Shing, poliziotto dai trascorsi tutt'altro che cristallini, passa la notte con una giovane ragazza, una delle tante, solo per scoprire la mattina seguente che si tratta di sua figlia decisa a riavvicinarsi a lui dopo la prematura scomparsa della madre. Prosegue il percorso di maturazione artistica di Pang Ho-Cheung cominciato con Beyond Our Ken e che con questo Isabella raggiunge sicuramente uno dei punti più alti, se non il più alto, della sua filmografia. L'incontro tra padre e figlia, il loro riallacciare i rapporti, costruire un legame partendo da zero, sono tematiche trattate con estrema intelligenza, evitando scontate banalità ma sottolineando la necessità di entrambi di colmare un vuoto, dovuto al recente lutto per lei e alla vita sregolata per lui, ma soprattutto allontanare per sempre la solitudine. Dialoghi brillanti, situazioni da commedia (la maniera in cui lei si libera di tutte le amanti del padre o di come lui, novello padre, insegna alla figlia ad usare le bottiglie di vetro come arma contundente senza ferirsi) si contrappongono a momenti più sofferti, confinati spesso in brevi flashback, nei quali si apprezza la volontà di non indugiare in parentesi necessariamente commoventi. Anche la regia svolge egregiamente la sua parte, misurata, mai invasiva, perfetta per raccontare in immagini la condizione dei protagonisti e per far risaltare le atmosfere e la bellezza così particolare ed "europea" dell' ex-colonia portoghese, qui pronta a scrollarsi di dosso il passato coloniale così come Shing, con la decisione sofferta che prende nella parte finale del film, vuole fare con il suo di passato per poter guardare con speranza al futuro.
