Soluzione:
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Avvisandoci con una precisa didascalia che quello a cui stiamo per assistere potrebbe essere più vero di quello che si può immaginare, il regista Grant Heslov ci porta dentro una storia che riguarda un reparto super segreto dell' esercito americano, una storia assurda ma non tanto quanto l' assurdità della guerra stessa. Dopo il Vietnam l'esercito degli Stati Uniti creò un' unità speciale nella quale si formavano dei supersoldati ai quali si cercavano di sviluppare potenzialità latenti quali telepatia o invisibilità. Il giornalista Bob Wilton si imbatte casualmente in questa storia durante il suo soggiorno in Iraq dove incontra Lyn Cassaday, soldato in congedo dell' Esercito della Terra, "riattivato" per una missione segreta. Pur non riuscendo a mantenere una certa solidità per tutta la sua durata (la prima parte è perfetta ma poi sembra che si proceda un po' senza una meta precisa) il film di Heslov riesce a coniugare perfettamente il suo lato grottesco e surreale con la lucidità del contesto militare, di fondere assieme elementi incompatibili come la cultura hippie con la rigidità imposta dall' esercito, il tutto per veicolare un messaggio anti bellico forte e deciso. Il resto lo fa un cast perfetto e irresistibile dallo spaesato Ewan McGregor al "riattivato" ed ex capellone Clooney, dal "guru" hippie (perfetto direi) Jeff Bridges ad un Kevin Spacey che non si tira mai indietro quando c'è da fare la parte del cattivo. Se gli intenti originari trovano quindi un adeguato compimento, forse una seconda parte più decisa avrebbe trasformato un film in parte riuscito in un qualcosa di ben altra caratura.
Serializzata sul mensile Wolverine, Vecchio Logan (Old Man Logan) è la classica miniserie ambientata in un futuro alternativo. In questo caso i supercriminali si sono alleati e hanno conquistato il mondo uccidendo quasi tutti gli eroi. Logan è un uomo vecchio, non vuole più lottare ne sfoderare i suoi artigli e tira avanti con la sua famiglia in una fattoria, vessato dalla gang dei Banner. Quando pagare il pizzo diventa insostenibile accetta di fare qualche soldo extra accompagnando un ormai cieco Occhio di Falco a fare una consegna. Millar conduce la storia senza tanti sussulti, anzi lo sviluppo appare prevedibile almeno quanto la svolta finale. Molto bello l'episodio dove Logan rivela il perché abbia deciso di smettere di lottare e soprattutto il violentissimo finale. Diciamo che il grosso del lavoro lo fanno le matite, bellissime, di Steve McNiven.
Leggere Ultimates mi ha convinto ancora di più delle parole che scrissi a suo tempo per Ultimate X-Men e questo perché Ultimates è un CAPOLAVORO, la testata che da un senso a tutto il progetto "Universo Ultimate" e cioè svecchiare la figura dei personaggi classici della Marvel con delle serie moderne che partono da zero senza il peso di anni e anni di continuity sulle spalle. Millar (ri)scrive personaggi come Cap, Iron Man e Thor mettendo in risalto l'uomo prima della maschera, creando delle figure che bucano la pagina. Il tutto inserito in un contesto socio-politico attualissimo dove gli eroi sono prima un evento mass mediatico e poi strumenti per la discutibilissima politica estera americana. E in tutto questo, coaudivato alle matite da un Bryan Hitch in forma smagliante, inserisce anche un' invasione aliena e una guerra tra divinità nordiche senza che appaia forzato o fuori luogo. Una serie insomma che si è attestata fin da subito a livelli altissimi e non è un caso che i recenti progetti Marvel cinematografici è ad Ultimates che si ispirano. Le prime due stagioni sono state ristampate recentemente in quattro bei volumi "deluxe" che non possono mancare in qualsiasi collezione che si rispetti.
La Panini ha finalmente pubblicato in due volumi la miniserie Kick-Ass forse in previsione di una, si spera non lontana, distribuzione nei nostri cinema dell' adattamento cinematografico ad opera di Matthew Vaught. Kick-Ass rappresenta il naturale proseguimento del discorso "milleriano" sui supereroi o meglio, Millar prende il suo lavoro di inserimento in un contesto reale, moderno e attuale dei supereroi e lo porta all' estremo, raccontando questa volta la nostra realtà dove gli eroi non esistono. E in questa realtà, un adolescente sfigato e appassionato di fumetti come tanti si chiede "perché milioni di persone vogliono essere Britney Spears e nessuno vuole essere Spider-Man?". La risposta non tarda ad arrivare in maniera anche spesso brutale (sorprendenti in questo caso le "classiche" matite di John Romita Jr.), perchè qui non ci sono ragni radiottivi o raggi cosmici, c'è solo la vita che ti prende a calci nelle palle, quando ti va bene. Non ci sono eroi ma solo sfigati che fanno finta di esserlo per uscire dalla noia di vite insulse o da un anonimato insostenibile. Ironico si, ma anche molto crudo e poco consolatorio.
Dopo essersi fatto un nome negli Stati Uniti come regista in diverse e ben note serie TV, Juan Josè Campanella scrive il suo nome anche nella storia dell' Academy aggiudicandosi l' ambitissimo Oscar come miglior film straniero con il suo El Secreto de Sus Ojos, strappando la statuetta a due agguerriti (e forse più meritevoli, ma è un parere personalissimo) avversari come Audiard e Haneke. La pellicola è incentrata sullo stupro e l' omicidio di una giovane donna al quale il protagonista Benjamin Santiago, in qualità di assistente del pubblico ministero, si trova ad indagare. Il caso segna profondamente la vita di Benjamin sia da un punto di vista personale che lavorativo e venticinque anni dopo, ormai pensionato e solo, decide di riaffrontare quel capitolo della sua esistenza scrivendo un romanzo che ne narra gli eventi. Uno degli aspetti più affascinanti del film di Campanella è il concetto della scrittura come strumento per rievocare il passato, per affrontarlo, per mettere sotto esame i propri limiti e le proprie mancanze. Benjamin ricorda con precisione tutti i dettagli dell' indagine ma al suo racconto manca il cuore forse per questo non riesce a scrivere del suo amore mai confessato senza farlo apparire troppo romanzato. Forse per questo non riesce a comprendere, e quindi a descrivere, il profondo legame tra la donna uccisa e suo marito. Un limite al quale si contrappone però, la capacità di leggere negli occhi delle persone i sentimenti più intimi e profondi. Quello di Campanella è un film che con piglio quasi nostalgico racconta uno spaccato d' Argentina, ma soprattutto parla di amori eterni e di rinunce che pesano e lasciano vuoti difficili da colmare. Il regista argentino dimostra inoltre di avere una certa dimestichezza con il thriller ed infatti, El Secreto de Sus Ojos, si configura come un film di genere decisamente riuscito capace anche di regalare qualche inaspettata sorpresa, momenti di regia difficili da dimenticare (il lungo piano sequenza nello stadio), ma soprattutto un finale emozionante e per nulla scontato. Splendidi, senza eccezioni, tutti gli interpreti.
TITOLO ORIGINALE: GLEE
Cito testualmente "Il premio DARDOS viene assegnato a quei blog meritevoli per i contenuti di carattere culturale, etico e/o letterario". Capite bene quindi quanto siano immeritate le due segnalazioni ricevute dagli amici Para e Chimy di CINEROOM e dal gentilissimo Roberto Fusco Junior di Cinema e Dintorni, che colgo l'occasione per ringraziare di cuore ancora una volta.
Quella del cane Hachiko è una storia molto famosa in Giappone, tanto famosa che il cane stesso è diventato simbolo di fedeltà assoluta e al quale è stata dedicata una statua posta alla stazione di Shibuya a Tokyo. La particolare storia di Hachiko ha naturalmente suscitato l'interesse dei giornali dell' epoca ma non solo: nel 1987 infatti il regista Seijiro Koyama diresse il film "Hachiko Monogatari" nel quale si narrano le vicende di questo straordinario animale, un cane di razza Akita, dalla sua nascita fino all' essere adottato dal professore universitario Hidesaburo Ueno con il quale si instaura un rapporto profondissimo. Forse per via del fatto che Hachiko andava a colmare il vuoto lasciato nel cuore del professore dalla morte del suo precedente cane, ma l'affetto che l'uomo prova verso l'animale è pari forse solo a quello che si potrebbe provare per uno dei familiari più stretti. Ed Hachiko ricambia questi sentimenti arrivando ad accompagnare tutte le mattine il professore alla stazione e tornare di sera per aspettarne il rientro. Un rito dettato dal puro affetto che si ripete giorno dopo giorno anche dopo che a causa di un ictus il professore muore lasciando Hachiko solo, abbandonato anche dalla famiglia che fino a quel momento l'aveva trattato come un suo membro. Quella di Hachiko è una storia dai contorni di una favola eppure straordinariamente reale. Il regista giapponese la porta sullo schermo con grande semplicità, con toni quasi da commedia nella prima parte che poi piano piano si affievoliscono fino a spegnersi del tutto nella seconda. La storia si concentra soprattutto nel mettere a confronto il rapporto tra Hachiko ed il suo padrone con gli altri personaggi della vicenda, i familiari o semplicemente degli estranei toccati dalla singolarità e la dolcezza della vicenda. Se si esclude la sequenza finale, forse inevitabile, il film si fa apprezzare per non voler essere forzatamente commovente, dimostrando che questa storia d'amore, devozione e lealtà assoluta vuol far riflettere piuttosto che piangere.
YES, I'LL DO IT AGAIN!
TITOLO ORIGINALE: THE PACIFIC
Martha e Tomas si trasferiscono dalla vitale Londra ad un piccolo paesino sulle coste dell' Irlanda. La coppia spera che il cambiamento possa aiutarli a superare dei recenti traumi ma soprattutto dare una nuova casa al futuro nascituro che lei porta in grembo. La nuova vita non comincia però nel migliore dei modi visto che strani ed inquietanti incidenti coinvolgono una coppia di vicini e tutti sembrano ricondurre alla loro figlia Daisy, una bambina vittima di pregiudizi nati da antiche credenze popolari. I film horror che hanno come protagonisti dei bambini riescono quasi sempre ad incutere, se non proprio paura, almeno una sincera inquietudine, forse perchè vedere l' innocenza dell' infanzia diventare in qualche modo veicolo di malvagità è alquanto disturbante. Approciandosi a The Daisy Chain di Aislin Walsh senza sapere nulla sul film, senza aver letto sinossi o recensioni, si può avere l'impressione di ritrovarsi nel più classico film a tema possessione demoniaca vista anche la ricorrente simbologia Cristiana (croci appese fuori e dentro le case) che viene bene messa in evidenza nella prima parte del film. Ma in questo caso si prende quasi subito una direzione diversa affondando a piene mani nel mito e nelle leggende irlandesi tirando in ballo la figura del "changeling", una fata che si sostituisce ai neonati morti ancora in fasce. Una creatura di natura magica quindi, che unita alle atmosfere rurali e ai paesaggi irlandesi mozzafiato, creano il giusto contesto per ambientare questa storia dove le superstizioni hanno la meglio sulla ragione, dove l'amore di una madre ferita la rende cieca di fronte all' evidenza. Il resto però naviga nella banalità, un mare piatto dove gli unici approdi sono situazioni e sviluppi telefonati e qualche spavento buttato li a fare colore ma del tutto fuori luogo. Sacrificata la presenza di Samantha Morton, inquietante invece l' interpretazione della piccola Mhairi Anderson capace di regalare qualche sporadico brivido in mezzo al vuoto che la circonda.
La Pixar vince a mani basse, ancora una volta. Non ci sarebbe da sorprendersi troppo se non fosse che questa volta lo fanno, non con un progetto nuovo, ma con il seguito, il terzo per essere precisi, di quel Toy Story che nel 1995 li lancio nell' Olimpo del cinema d' animazione. Basta un rapido lavoro di memoria per capire che, nel cinema, i seguiti di successo si contano sulle dita di una mano e senza andare troppo lontano, la stessa saga dei rivali della Dreamworks Animation, quella con protagonista l' orco Shrek, già scricchiolava con il secondo episodio. Ma arriviamo dritti al punto: anche senza la guida di Lasseter, che si dedica alla produzione lasciando la sua prima storica creatura nelle ottime mani di Lee Unkrich, Toy Story 3 è bellissimo, una meraviglia che forse ci si può anche sbilanciare a definire il migliore dei tre. Il segreto di questo risultato è una ricetta dagli ingredienti semplici: Toy Story infatti continua, nonostante l' età, a mantenere la straordinaria freschezza degli esordi impreziosita però da quella maturità che lo studio Californiano ha coltivato negli anni e che ha infuso in particolare negli ultimi loro capolavori (Ratatouille, Wall-E e UP). E così questo terzo capitolo si presenta come un "escape movie" dal respiro classico, un grande film d'avventura emozionante ma anche molto profondo nel trattare, in maniera più ampia che nella pellicola precedente, il tema dell' abbandono, introducendo a tal proposito personaggi straordinariamente negativi come l'orso Lotso. Rispetto ai film precedenti, Toy Story 3 è forse quello che dietro la solita maschera colorata e scanzonata mostra un' anima più adulta, dove i siparietti e le trovate umoristiche, sempre esilaranti, sono spesso mirate a mitigare quei momenti più tesi e commoventi. Perché, ebbene si, Toy Story 3 è un film che ti fa venire più di una volta un groppo in gola e gli occhi lucidi semplicemente nel raccontare l' inevitabile destino che aspetta ogni giocattolo quando, chi li possiede, cresce e non ha più bisogno di loro. Alcuni finiscono ricoperti di polvere in qualche soffitta, altri gettati nell' immondizia ed altri, come Woody, Buzz, Jessie e gli altri giocattoli, avranno sempre un posto speciale nel cuore del proprio proprietario e di sicuro anche nel nostro.
Cop Out e la classica definizione di “buddy-movie” vanno proprio a braccetto. La cosa è evidente fin da subito quando i due protagonisti, gli agenti Jim e Paul, prima si contendono il ruolo di poliziotto buono e poliziotto cattivo in un interrogatorio, per trasformarlo poco dopo in un esilarante gioco di citazioni cinefile. E questo è solo il primo esempio delle situazioni che si presentano nel film grazie alla complicità che si crea tra Jim e Paul, complementari perché l’uno l’ opposto dell’ altro sia nella vita privata che nel lavoro, e che strizzano l' occhio ad altre celebri coppie di poliziotti cinematografiche (prima su tutti quella Mel Gibson / Danny Glover di Arma Letale, ma anche Beverly Hills Cop). Cop Out è la classica commedia a sfondo poliziesco dove i due protagonisti finiscono in grossi casini per un' operazione sotto copertura gestita male e nel tentativo di uscirne si ficcano in casini ancora più grossi fino al prevedibile happy ending. Tutto si svolge secondo uno schema ben preciso e la sceneggiatura di Robb e Mark Cullen non si sbilancia mai ne tenta qualche virata in direzioni non previste lasciando agli attori il ruolo di condurre il film: se Bruce Willis ricopre un ruolo a lui abbastanza congeniale (il poliziotto d'azione con una disastrata situazione familiare), è Tracy Morgan l' anima comica del duo, senza dimenticare Seann William Scott che, pur ricoprendo il ruolo piuttosto piccolo di un ladruncolo, riesce a diventare quasi subito la figura di culto di questo film. In definitiva Cop Out è un film senza tante ambizioni e da un umorismo dalla grana piuttosto grossa a volte, ma fa divertire, bisogna ammetterlo. Rimane solo un piccolo problema, che non pregiudica il giudizio complessivo ma che rappresenta il classico pelo nell' uovo che non puoi fare a meno di notare: Cop Out è un film di Kevin Smith, il primo dove il regista del New Jersey non scrive la sceneggiatura e se non fosse per il ruolo ritagliato a Jason Lee e le immancabili citazioni a Star Wars, difficilmente si potrebbe ricollegare questo film al suo nome. Ne risulta che questo è senza ombra di dubbio la sua pellicola meno personale, un universo a parte rispetto a Clerks e lontano anni luce anche da quel piccolo gioiello che risponde al titolo di Zack & Miri Make a Porno, ancora inedito in Italia. Tutto il particolare background culturale sul quale ha costruito la sua carriera cinematografica, i dialoghi e i personaggi che in qualche modo l'hanno contrassegnata, sembrano insomma essere stati messi da parte. Si spera naturalmente sia solo una cosa momentanea.
TITOLO ORIGINALE: LIFE ON MARS
Produttore: Dolmen
Il 2009 è stato, senza ombra di dubbio alcuno, anno importante per il cinema d'animazione e non soltanto per un livello qualitativo altissimo ma anche da un punto di vista delle varietà tematiche o puramente di stili e tecniche. Fondamentale citare i titoli che vanno dai capolavori Pixar e Ghibli, UP e Ponyo, ai notevolissimi Coraline e Valzer con Bashir. A questi è necessario aggiungerne un altro, Mary And Max di Adam Elliot, produzione indipendente e piccolo gioiello di animazione passo-uno che stupisce subito per le particolari scelte cromatiche virate a tonalità che vanno dal marrone al bianco e nero, per la cura posta nella realizzazione dei minimi dettagli scenografici e per il look dei personaggi realizzati completamente in plastilina, con uno stile che ben si sposa con la storia narrata: Mary è nata e cresciuta in Australia, con un padre assente appassionato di tassidermia e una madre alcolizzata. Max è un ebreo che vive a New York, frequenta un gruppo si sostegno per persone con disordini alimentari e convive fin dall' infanzia con la sindrome di Asperger. Entrambi sono anime solitarie, emarginati dal resto della società perché, ognuno per i propri motivi, considerati diversi. Nonostante si trovino a mezzo mondo di distanza, per un fortuito gioco del destino entrano in contatto, diventano amici di penna e da questo scambio epistolare trarranno entrambi forza e insegnamenti preziosi dalle loro rispettive sventure. Dalle prime settimane del 2009 il film di Elliot ha fatto il giro di numerosi festival riscuotendo parecchi consensi e ancora attendiamo invano che venga distribuito in Italia, Paese dove l' animazione è ancora considerata e inquadrata come "materia" per un target d'età piuttosto basso. Mary And Max di Adam Elliot forse tratta tematiche troppo "adulte" per poterlo considerare un film per tutti, eppure non so immaginare pellicola migliore con la quale un genitore potrebbe accompagnare il proprio figlio alla visione e alla comprensione delle vicende che uniscono i personaggi, una storia dove il diverso (sia per difetti fisici o per una malattia mentale) è costretto a stare ai margini della società, ad accontentarsi degli scarti mentre il resto del mondo mangia dalla portata principale. Quello di Mary And Max è un racconto che trasuda una toccante umanità che riesce a sfiorare tematiche “scomode”, come il suicidio o la morte, senza rinunciare ad una costante ma mai invasiva ironia. Ottima la scelta del cast che interpreta le voci dei personaggi, sui quali spicca un Philip Seymour Hoffman che non ha bisogno della presenza fisica sullo schermo per dimostrare la sua bravura.
A quattro anni dallo strepitoso successo ottenuto con il film d' esordio "Toy Story" e la successiva conferma con l' altrettanto bello "A Bug's Life", la Pixar è pronta a portare sul grande schermo il seguito delle avventure dei giocattoli che contribuirono a far diventare Lasseter e compagnia il punto di riferimento dell' animazione occidentale. Se da un punto di vista cinematografico quattro anni non sono poi tanti, da un punto di vista tecnologico contano forse come dieci e lo dimostrano i progressi fatti (e già visibili in A Bug's Life) nelle animazioni, nei modelli umani (vero punto debole del primo film), e in tutti quegli effetti (illuminazione e riflessi, ad esempio) che servono a dare profondità fisica, tanto ai personaggi quanto alle ambientazioni. Ma questa dopotutto è sempre stata una prerogativa della Pixar, quella di crescere un passo alla volta (ed il successivo Monster & Co. è li a dimostrarlo), migliorarsi sperimentando e crescendo di pari passo all' evolversi di hardware e software, dimostrando film dopo film che la perfezione è solo un limite che loro non hanno ancora intenzione di raggiungere. Detto questo, Toy Story 2 è una meraviglia, un film che pur essendo un seguito si dimostra il coraggioso per due motivi in particolare: il primo sta nella maniera in cui lo stesso Lasseter, Docter, Stanton e gli altri sceneggiatori Pixar non abbiano cercato di accattivarsi il pubblico con dei personaggi "cool" ed al passo coi tempi, ma siano riusciti a rendere irresistibili giocattoli che già nel '95 erano belli che datati ma che hanno regalato non pochi sorrisi a chi è stato bambino negli anni '80. Il secondo motivo riguarda direttamente i personaggi ed il loro numero: non spaventati infatti dai numerosi comprimari che ruotano intorno ai veri protagonisti, Woody e Buzz, ecco aggiungersi dei nuovi personaggi che si integrano perfettamente agli originali e vanno ad approfondire il passato dello stesso Woody ed il suo presente da "memorabilia". La storia, che vede coinvolti questo vario ed eterogeneo gruppo di giocattoli, ruota questa volta intorno ad un comune dilemma esistenziale, l' incertezza di cosa ci prospetta il futuro una volta diventati grandi, vista però da una prospettiva ribaltata in quanto sono i giocattoli ad essere spaventati del destino che gli aspetta una volta che il loro proprietario sarà cresciuto e non avrà più bisogno di loro, dimenticati sotto un dito di polvere in una mensola o venduti in un mercatino dell' usato. La vita di un giocattolo finisce quando si esaurisce la fantasia di chi li possiede, ma la fantasia è anche la materia che alimenta i sogni dei sognatori, e alla Pixar sembrano averne una scorta inesauribile.
La troupe organizza il set. Gli attori entrano in scena seguendo le direttive del regista che osserva dall' esterno che il copione venga rispettato alla lettera. Tutto e tutti devono muoversi secondo una precisa coreografia per la riuscita complessiva della sequenza. Uno dei punti di forza di Accident di Soi Cheang è il parallelo tra quello che avviene su di un set cinematografico per la realizzazione di un film e quello che fanno i protagonisti della pellicola, un gruppo di assassini che organizza, seguendo un preciso e rigoroso script, degli omicidi in maniera tale che risultino a tutti gli effetti degli incidenti. La stabilità di questo collaudato gruppo viene minata dalla morte accidentale di uno di loro durante un lavoro. E se non fosse stato un caso e si trattasse di omicidio? Dalle canoniche atmosfere thriller iniziali si affonda lentamente, ma con una precisione calcolata al secondo, in quelle del thriller psicologico, quando realtà e fiction diventano indistinguibili facendo precipitare il protagonista in un incubo nel quale viene consumato dalla paranoia e dal senso di colpa. Veramente notevole la scrittura del film (soprattutto nella scelta di non indugiare nel passato del protagonista preferendo dare al pubblico degli indizi in base al quale ricostruirlo) affidata ad una coppia di sceneggiatori della Milkyway, uno dei quali, Kam-Yuen Szeto, ha scritto alcuni importanti film di Johnnie To che qui appare anche come produttore. Anche Soi Cheang ha i suoi meriti e Accident risulta essere senza dubbio uno dei suoi film migliori, nonché una delle migliori pellicole prodotte dall' ex colonia britannica nel 2009, non a caso presentata in concorso durante il Festival di Venezia del medesimo anno. Come la stragrande maggioranza delle pellicole asiatiche selezionate per la manifestazione cinematografica lagunare, il film non ha ancora una distribuzione ufficiale nel nostro Paese e chissà se mai l'avrà. Non è una novità comunque e di questi tempi neanche tanto un limite anche se, visto il caso Vendicami, dispiace un po' non potersi gustare queste perle della Milkyway nel buio della sala.
