Un film che è una dichiarazione d' amore verso i felini domestici per eccellenza e del quale sono, con tutte le loro particolarità, i co-protagonisti assoluti, rischia di sembrare già sulla carta operazione quantomeno furba e calcolata. Ed è pure possibile che sia così ma sarebbe quanto meno riduttivo vedere così poco nella bizzarra storia della protagonista di Rent-A-Cat, Sayoko, e della professione da lei stessa ideata: aiutare le persone sole a colmare i propri “buchi” noleggiando i suoi dolcissimi gatti. Insieme ai vari personaggi che si avvicenderanno per usufruire del curioso servizio anche la protagonista avrà modo di affrontare e venire a patti con i motivi della sua stessa solitudine. Rent-A-Cat è in definitiva una favola dei giorni nostri raccontata con grande sensibilità ed un umorismo leggero e mai invadente.
Affermato romanziere in quel di Taiwan, Giddens porta al Far East il suo film d' esordio tratto, tra l' altro, da uno dei suoi libri che in maniera autobiografica racconta il primo importantissimo amore del regista nato nella prima metà degli anni '90 mentre frequentava la scuola superiore prima e il college poi. Raccontare se stessi attraverso il cinema, Giddens non sarà il primo e certamente non sarà neppure l' ultimo, ma riesce comunque a trasmettere con grande brio e con un azzeccato senso del ritmo, le gioie ed i dolori dell' adolescenza, gli amici, gli scherzi, la goliardia, i primi amori e di conseguenza anche le prime delusioni. Certo, You Are The Apple of My Eye è un film piuttosto semplice, la cui natura prettamente commerciale non è tenuta certo nascosta ma che allo stesso tempo permette al film di mostrare uno spaccato di vita popolare taiwanese (soprattutto adolescenziale) rendendolo appetibile ed apprezzabile anche da un pubblico internazionale.
Per quanto nessuno neghi la sua straordinaria eccleticità nello sfornare ogni anno film che abbracciano generi diametralmente opposti tra loro, si guarda sempre alle commedie romantiche firmate Johnnie To con una certa diffidenza e forse anche con qualche pregiudizio di troppo. Rispetto a Don't Go Breaking My Heart però (visto alla passata edizione del FEFF) Romancing in Thin Air sembra stargli qualche passo indietro forse perchè, se escludiamo la parte finale con “il film nel film”, risulta essere molto più legato ai canoni della commedia romantica con un amore che nasce tra una stella del cinema reduce da una relazione finita male ed una donna che attende da sette anni il ritorno del marito scomparso. Una relazione che si sviluppa tra alti e bassi (come da manuale) inclusa una lunga elaborazione del lutto alla quale però manca qualcosa ed è quell' impronta incisiva e determinante del grande autore seduto dietro la macchina da presa.
Un ragazzo viene arrestato per aver ucciso la giovane figlia di un famoso tenore. Uscito di prigione vent' anni dopo comincia a seguire ossessivamente la famiglia che fu causa del suo arresto. Quando il tenore viene trovato brutalmente ucciso, lui diventa automaticamente il primo sospettato. Spiace dirlo ma, la parte davvero convincente di Nightfall, oltre alle interpretazioni dei sempre ottimi Nick Cheung e Simon Yam, è il concitato e violentissimo incipit dove un uomo lotta per la propria vita contro altre quattro persone nelle docce di un carcere. Sangue (tanto) e ralenty sembrano voler dettare il ritmo ad un film che si rivela invece piuttosto discontinuo, incerto nei modi e nei tempi con i quali raccontare una storia dai toni cupi e dagli sviluppi disturbanti.
Difficile spiegare a parole quanto fosse atteso e temuto allo stesso tempo dalla fan base di lettori Marvel, un progetto epico come The Avengers. Atteso perchè è innegabile l' impegno profuso dalla Casa delle Idee nel portare singolarmente sul grande schermo ciascuno dei membri principali del gruppo con una grande attenzione a mantenere, l' incarnazione cinematografica dei singoli personaggi, quanto più fedele alle versioni cartacee classiche e più moderne, costruendo inoltre una continuity da film a film fatta di chiari riferimenti, le famose sequenze dopo i titoli di coda, ma anche di piccoli dettagli che non sfuggono all' occhio più attento. Altrettanto temuto però, proprio perchè mettendo insieme così tanti personaggi "forti" in un unico film poteva risultare difficoltoso bilanciarne adeguatamente la funzionalità, lasciando che alcuni venissero messi in ombra dagli altri. Senza contare la necessità di una storia solida nella quale inserirli che non risultasse unicamente un' espediente commerciale, certamente vincente, ma fallimentare nel suo complesso. Succede poi che per la regia salta fuori il nome di Joss Whedon, uno che si è fatto un nome in ambito di serie televisive ed anche in campo fumettistico gestendo, tra gli altri, un interessante ciclo di storie sulla collana Astonishing X-Men, che per la gioia di tutti mette mano anche alla sceneggiatura compiendo un piccolo miracolo. The Avengers non è soltanto il primo crossover cinematografico di casa Marvel ma anche la perfetta combinazione tra il cinecomix e blockbuster d' intrattenimento in grado perciò di essere apprezzato a più livelli da una vasta gamma di pubblico soprattutto grazie all' altissima spettacolarità delle scene d' azione (sopratutto quella finale). Ma il film di Whedon farà felici soprattutto i lettori Marvel più affezionati con una storia ampiamente ispirata al primo ciclo degli Ultimates (la versione riveduta e corretta in chiave moderna dei classici Vendicatori), un grande rispetto per le più classiche dinamiche fumettistiche dei crossover (gli eroi prima si picchiano tra di loro poi combattono insieme contro il nemico comune) ed una notevole cura riservata ad ogni singolo personaggio: ognuno, buono o cattivo che sia, ha il suo spazio, il suo modo di interagire con gli altri e la possibilità di mettere in mostra i propri talenti (Hulk "spacca", neanche ci sia bisogno di sottolinearlo) e alcuni risultano addirittura più convincenti rispetto al loro film in singolo (Captain America in primis). Whedon ci regala insomma il migliore The Avengers che potessimo anche solo lontanamente sperare e ci lascia con un finale dopo i titoli di coda che ci fa intendere chiaramente che le avventure degli eroi più potenti della Terra non sono finite certo qui.
Già conosciuto dalle parti del FEFF con il suo fin troppo sopravvaluato Trouble Maker, il regista coreano Kang Hyung-chul torna a Udine con un' altra commedia che apre il festival raccontando un viaggio tra presente e passato per un gruppo di amiche che si riuniscono, anni dopo lo scioglimento della loro “banda” ai tempi del liceo, quando scoprono che una di loro ha un tumore ormai in fase terminale. Sulle note di una quantomai ricercata colonna sonora (nella quale compare anche Sunny di Boney M, che da il nome al film ed anche al gruppo delle giovani protagoniste) la storia si dipana con sorprendente fluidità, tra la Corea moderna di oggi e quella degli anni '80 fatta di brand di tendenza, colori sgargianti, musica, ma anche scontri tra sostenitori della democrazia e poliziotti. Il tutto con un tocco molto leggero naturalmente, concentrando l' attenzione su quanto, crescendo, la vita spesso ci costringa a mettere da parte i sogni da adolescenti. Il finale vuole essere risolutivo a tutti i costi, peccato, ma c'è un momento delicatissimo e surreale che vale da solo tutto il film secondo me.
Di film che raccontano storie di malavita e criminalità giovanile ambientate in località periferiche, sempre più mondi a parte rispetto alle grandi metropoli giapponesi, ne abbiamo già visti tanti, portate alla nostra attenzione da autori che hanno infuso nelle trame del racconto le proprie esperienze. Gu Su-yeong non fa differenza con questo suo Hard Romantiker, tratto da un suo romanzo semi autobiografico incentrato sul giovane “omonimo” Gu, teppista dai capelli ossigenati che, fattosi fin troppi nemici nel suo paese natale cerca una nuova strada nella grande città trovandosi però costretto a tornare sui suoi passi per saldare tanti conti in sospeso. Nessuno nega al film la sua forza, soprattutto visiva, che emerge dalla violenza, mostrata e non, con insistenza quasi disturbante e da personaggi (tra i quali lo stesso Gu) che di positivo hanno poco e niente. Quello che manca in questa storia, dove gli errori si ripagano moltiplicati all' infinito, è un vero approfondimento sul background che sta dietro storie di questo tipo che avrebbe aiutato a capire realtà così complesse dove anche le proprie origini fanno la differenza in un paese ancora profondamente razzista come il Giappone.
Una delle cose più interessanti su World Invasion (al secolo Battle: Los Angeles) riguarda curiosamente i curatori degli effetti speciali, i fratelli Colin e Greg Strause, incredibilmente somiglianti, a livello concettuale, con quelli del film di cui sono anche registi, Skyline, uscito nelle sale quattro mesi prima della pellicola di Liebesman. Considerato che le similitudini non finiscono li, la cosa ha fatto leggermente incazzare i vertici Sony che non ci hanno pensato su due volte prima di citare in giudizio i due fratelli. Cappello introduttivo questo quasi necessario visto che c'è poco altro da dire su World Invasion, un brutto film per certi versi inferiore anche allo stesso Skyline. Se infatti quest' ultimo appariva un prodotto televisivo di fascia alta più che uno cinematografico (e con un finale cultissimo), il film di Liebesman, nonostante le potenzialità da imponente film bellico sullo sfondo di un' invasione aliena, si rivela un progetto fallimentare da diversi fronti, nonostante un budget sicuramente superiore ed un cast nel quale spiccano Aaron Eckarth e Michelle Rodriguez. Con una storia che nel suo svolgimento ricorda tanto Indipendence Day ma con la presunzione di prendersi decisamente troppo sul serio, World Invasion è infarcito fino alla nausea di tanta, ma tanta retorica ed una glorificazione della figura del Marine (in senso generale) che era da tanto che non si vedeva, ma soprattutto che non si sentiva, perchè i danni peggiori li fanno proprio i dialoghi, tutti orientati sul patriottico/nauseante ed una colonna sonora davvero troppo furba. Vi rimarranno in testa qualche bella sequenza di guerriglia urbana, polverosa, frenetica ma il resto lo si dimentica in fretta, come tutte le cose inutili.
Il giovane commissario di polizia Tong, nel tentativo di catturare un fuggitivo, finisce per ferire a morte un innocente. Distrutto dal senso di colpa cerca la redenzione nella caccia disperata al rapitore della figlia di un avvocato di pubblica accusa, impegnata nel far condannare per omicidio un rapinatore. Nel panorama cinematografico di Hong Kong, l' action poliziesco ha da qualche anno a questa parte un nuovo e importante nome di riferimento (stando perlomeno ai risultati di botteghino) quello di Dante Lam. Ad un pubblico attento ed esigente però, questo Beast Stalker mostra subito il fianco portando in superficie un neo abbastanza evidente, la scrittura. Spesso autore della storia piuttosto che della sceneggiatura, il regista honkonghese predilige racconti articolati, fitti intrecci tra personaggi spesso molto forzati se non proprio ingenui. In Beast Stalker ad esempio, un terrificante incidente d' auto (tra l' altro la sequenza anche più spettacolare del film) coinvolge tutti una serie di personaggi già di per se connessi su altri livelli narrativi. Destino o tragica coincidenza insomma non bastano certo a giustificare un tentativo di rendere una storia poliziesca più intricata di quello che dovrebbe essere. Questo perchè, mano a mano che la matassa si dipana, quel che rimane è un modo di fare cinema di genere piuttosto semplice (e non in senso negativo), anche brutale e senza sconti. Un cinema fatto sopratutto di personaggi, di uomini che hanno ben poco da perdere, poliziotti tormentati dai sensi di colpa, criminali portati al limite e disposti a tutto,“buoni” e “cattivi” con i quali si empatizza anche se sviluppati forse in maniera troppo superficiale. Nonostante i suoi difetti insomma, The Beast Stalker può essere considerato un buon punto di partenza per avvicinarsi al cinema di Dante Lam e per osservarne lo sviluppo, la crescita, la maturazione nelle opere seguenti.
TITOLO ORIGINALE: THE WALKING DEAD
TITOLO ORIGINALE: AMERICAN HORROR STORY
Per le saghe cinematografiche horror dell' ultimo decennio pare che il detto "squadra che vince non si cambia", non valga molto. Giunto al suo terzo capitolo la regia di Paranormal Activity, dopo il suo creatore Oren Peli ed il suo successore Tod Williams, passa al duo Henry Joost / Ariel Shulman. Che un film di questo tipo abbia bisogno addirittura di due registi è un mistero, ma il fatto che l' originale avesse bisogno addirittura di due seguiti (per ora) è forse un mistero ancora più grande. Comunque, dopo un incipit ambientato durante il secondo film (che funge da prequel al primo) facciamo un salto ancora più indietro, nel 1988, per scoprire come e perchè le sorelle Katie e Kristie hanno cominciato ad essere perseguitate dal demone prestigiatore. Niente telecamere a circuito chiuso, ad alta definizione, niente tecnologia digitale. Si torna al tanto amato analogico, telecamere grosse e ingombranti che registrano su VHS. Il caso vuole che la mamma delle due sorelline, rimasta vedova, ora frequenti un ragazzo che fa video di matrimoni e pertanto, sfruttando pure qualche colpo d' ingegno, in possesso di tutto ciò che occorre per catturare su nastro la fonte degli strani rumori che si sentono per casa. Tutto insomma rimane nella norma così come tutta la struttura e progressione narrativa dei precedenti film viene perfettamente ricalcata su questo, ad eccezione del cambio di location nel finale, dettaglio fino ad oggi inedito. Per compensare l' inevitabile forzatura tecnologica che comporta ambientare alla fine degli anni '80 un film composto unicamente da riprese "amatoriali", si è deciso di puntare al rialzo rendendo i giochi di prestigio del simpatico demonietto, molto più ad effetto e dando alla maligna presenza una maggiore "visibilità". Senza voler in alcun modo giustificare operazioni commerciali che lasciano il tempo che trovano, questo Paranormal Activity 3 riesce a regalare qualche contenuto ma sincero spavento rimanendo comunque un film reso sterile dalla sua totale mancanza di originalità (se mai tutta la serie ne ha mai avuta). Sempre meglio dello spin-off giapponese comunque.
Forse più si cresce e più si è sensibili alla nostalgia. Deve essere per questo che, scorrendo i titoli presenti nella mia videoteca, il mio sguardo si ferma sempre su quelli con i quali, non posso negarlo, ho dei legami particolari che nulla o quasi hanno a che vedere con il valore artistisco o l' importanza dei nomi coinvolti. Gonnies di Richard Donner, ad esempio, ha per me un posto unico e speciale indipendente da quello dettato dall' ordine alfabetico. Basta buttare un occhio sulla copertina ed è come guardare una vecchia foto che ritrae amici che non vedi da una vita ma con i quali condividi parecchi ricordi. A film come I Goonies devo certamente, sia il timido ma importante avvicinamento al cinema, che i primi embrionali esempi di "forum" che nascevano all' entrata di scuola o durante la ricreazione, dove le discussioni ruotavano su questa o quella scena, sulle frasi quotate a memoria, sui personaggi preferiti con i quali ci si immedesimava. Ed è proprio l' immedesimazione la carta vincente giocata da Donner e da Steven Spielberg che, ben consci del target di pubblico al quale volevano rivolgersi, mettono insieme un film d' avventura con protagonisti un gruppo di ragazzini comuni che si trovano coinvolti in rocambolesca caccia al tesoro, una discesa (letterale e figurata) nel fantastico che si cela immediatamente sotto i loro piedi, tra "tracobetti", navi pirata e banditi quasi comici e caricaturali (ma, attenzione, i veri cattivi nel film sono ben altri). Sospensione dell' incredulità a parte, terreno su cui Spielberg è stato sempre in grado di accompagnare i suoi spettatori, Goonies racconta l' avventura come rito di passaggio, un percorso alla scoperta dei primi amori adolescenziali, i primi (fortuiti) baci, ma soprattutto una presa di coscienza delle proprie responsabilità quali parti integranti di una comunità. Il tutto con una freschezza ed una semplicità che sono diventate simbolo di un modo di fare cinema per ragazzi negli anni '80 e che si è andato lentamente perdendo o che forse, semplicemente, si è evoluto di pari passo con le nuove generazioni.
Alieno nel suo stesso mondo, autoriconosciutosi marziano per scelta di cuore e di coscienza, John Carter ha anche lui la sua trasposizione cinematografica dalle pagine dei romanzi di Edgar Rice Burroughs dopo una genesi particolarmente travagliata, durata anni, e che ha trovato nella Disney e nel regista Andrew Stanton i mezzi finanziari e materiali per arrivare a compimento. Ma nonostante gli sforzi e i budget milionari, John Carter è stato curiosamente condannato ancora prima di approdare nelle sale e di tutta risposta il pubblico ne ha decretato il quasi flop. Cosa alquanto incomprensibile se si considera che di pseudo colossal fantascientifici se ne sono visti di peggiori e che da un punto di vista puramente cinefilo, il film suscita più di un motivo di curiosità, non ultimo quello di vedere uno dei più grandi registi Pixar (suoi Alla Ricerca di Nemo e Wall-E) alle prese con il suo primo film live-action. Prova superata, a parere di chi vi scrive, non solo perchè Stanton si dimostra capace di gestire importanti scene d' azione, ma ambiziosamente alza il tiro raccontandoci il suo John Carter in una sequenza che da sola vale la visione del film, un montaggio alternato tra una furiosa scena di lotta ed un dolorosissimo episodio nel passato del protagonista. Al di la delle buone intenzioni però, quello di Stanton è un film profondamente "disneyiano", certamente ascrivibile tra quei titoli (si possono citare I pirati dei Caraibi o anche Alice in Wonrderland di Burton) nei quali la casa di Topolino e Co. cerca di inserire contenuti tematici e visivi estranei al suo DNA (ma si è mai visto il protagonista di un film Disney totalmente ricoperto di sangue, per quanto blu possa essere?), ma legato a certi stereotipi che possono apparire datati, quando in fondo sono soltanto classici. Quel che frena davvero il film è una sceneggiatura che tarda fin troppo a carburare per poi, una volta entrata nel vivo, risolversi con troppa superficialità. Ha comunque il grosso pregio, è giusto sottolinearlo, di immergerci in atmosfere che strizzano l' occhio al classico cinema western americano e che contribuiscono a fare di John Carter, insieme agli elementi citati in precedenza, un film "vecchia scuola" dal look giustamente modernissimo.
Quello di Gavin O' Connor è un film di uomini che si improvvisano eroi. Non sono santi ma nel loro piccolo cercano di fare quel che è giusto, vogliono pagare per i loro peccati rimettendo ordine nelle loro esistenze. Ma questi uomini sono diventati gioco forza anche guerrieri perché, se la vita ti prende a pugni in faccia, il minimo che puoi fare e rispondere picchiando ancora più forte. Quello di O' Connor è un film dove il riscatto personale è solo una minima parte di ciò che si cerca fuori e dentro al ring: quello per cui si combatte ha radici profonde, aggrappate ad un passato doloroso che ha lasciato ferite che non si rimargino con il tempo, le si può solo coprire con altre ferite, zigomi sanguinanti, articolazioni slogate, occhi socchiusi dai lividi. Quello di O' Connor è un film con un gran senso della misura, anche se il percorso narrativo che porta i due fratelli a ritrovarsi può sembrare forzato, anche se ci si concede qualche sbavatura sopratutto nell' utilizzo un po' furbo della colonna sonora. Ma è poca cosa davvero in confronto alla solidità con la quale si racconta una storia come quella della famiglia Conlon, distrutta da un padre violento ed alcolizzato. Sono necessarie davvero poche parole per capire cosa ha formato i due fratelli e cosa ha reso un padre odiato ed abbandonato, lasciato solo con Dio a fare i conti con il rimorso. Il resto lo fanno i corpi, i volti. E quando puoi contare su attori come Tom Hardy ed un ritrovato Nick Nolte, ti serve davvero poco altro.
"Giovane adulta", come il target al quale è rivolta la fallimentare serie di romanzi della quale è ghostwriter, trentasettenne, divorziata, forse alcolizzata, decide di dare una svolta alla sua vita tornando nella città natale per riconquistare la sua vecchia fiamma ai tempi del liceo divenuto ormai marito e padre di famiglia. Giunto al suo quarto lungometraggio, non si può più parlare di conferma per Jason Reitman ma è più corretto definirlo una certezza, soprattutto se si pensa a come ha saputo scegliere i progetti nei quali impegnarsi e al modo in cui è riuscito, in ognuno di essi, a tracciare i lineamenti di un' America e della sua società sempre molto contraddittoria. In Young Adult, affiancato alla sceneggiatura da Diablo Cody (per la seconda volta dopo Juno), Reitman ribalta il mito della piccola cittadina di provincia come buco nero di sogni e aspirazioni facendola diventare il teatro di una disperata ricerca della felicità per la protagonista Mavis Gary (una strepitosa Charlize Theron) , decisa non soltanto a riacciuffare un passato dal quale non riesce a separarsi, ma a riesumarlo insieme ad un' ampia gamma di sentimenti e ricordi più o meno dolorosi. Quello di Mavis è un personaggio all' apparenza determinato, risoluto ma che si rivela invece quanto mai fragile, disturbato, autodistruttivo, alla disperata ricerca di aiuto (esemplare l' improvvisa e quasi distratta confessione fatta ai genitori sui suoi probabili problemi di alcolismo). E alla fine quella preziosa felicità tanto agognata la si può trovare anche nell' egoistica convinzione di essere migliore degli altri anche se nel profondo ci si sente come una musicassetta analogica nell' era digitale.
