TITOLO ORIGINALE: BREAKING BAD
Nell' apparente banalità di un triangolo amoroso che si sviluppa tra due ragazze ed un ragazzo cresciuti in un collegio immerso nella campagna inglese sul finire degli anni '70, Never Let Me Go di Mark Romanek nasconde più di quanto lascia intendere; un collegio che non è un vero collegio dove crescono bambini normali solo all' apparenza, in un mondo così simile al nostro ma profondamente diverso perchè i progressi in campo medico hanno portato ad aumentare considerevolmente le aspettative di vita. Fondamenta poggiate sulla fantascienza che suggeriscono sottovoce una riflessione sul progresso e sulla ricerca, sul guadagnare terreno nei confronti della morte a discapito della propria umanità. La sceneggiatura di Alex Garland, tratta dal romanzo di Kazuo Ishiguro, non si focalizza sulla questione morale preferendo invece concentrarsi sui tre protagonisti (Carey Mulligan, Keira Knightley ed Andrew Garfield) nel loro lottare per aggrapparsi a qualsiasi briciolo di normalità (anche una semplice relazione sentimentale) che gli è stata preclusa dalla nascita, nel definirsi come persone in un mondo crudele che ha in serbo per loro un destino scritto in anticipo. Never Let Me Go è un film doloroso, commovente senza giocare sul ricatto delle lacrime facili, dove la morte è una presenza ingombrante ma alla quale si contrappone una riflessione sulla vita e sull 'importanza di viverla consciamente nella sua pienezza.
"Basato su..." una formula semplice con la quale, comprando idee altrui o nel caso specifico proprio dei personaggi, ci si permette preventivamente di mettere le mani avanti a prescindere dal risultato finale dell' eventuale adattamento cinematografico. Prendiamo Kevin Munroe ad esempio. Di Dylan Dog nel suo film si percepisce qualcosa, elementi e piccoli sporadici dettagli, citazioni forzate e sbagliate ben lontane dall' essere considerate omaggi. Non troverete altro della creatura di Sclavi in questo film. Basta questo per definirlo un brutto film? Certo che no. Qui non centrano fanatismi da lettori di fumetti, anzi, anche il più accanito sostenitore della fedeltà con il fumetto può facilmente comprendere le motivazioni dietro l'impossibilità di inserire il personaggio di Groucho o di accettare le atmosfere magiche di New Orleans in sostituzione a quelle londinesi. No, non è questo. Dylan Dog è un brutto, bruttissimo film a prescindere. Quella che può essere considerata a tutti gli effetti una delle icone del fumetto Made in Italy anni '90, è stata sradicata dalla sue origini e ingurgitata dall' industria cinematografica americana, digerita e risputata come qualcosa di nuovo e totalmente sbagliato. La cronica mancanza di idee tra l'altro, porta a cercare la novità inserendola però in contesti datati che seguono il flusso delle mode del momento. Ed ecco che il detective privato Dylan, in passato era lo "sceriffo" che teneva a bada le famiglie di licantropi e di vampiri, una cosa che, scimmiottando Twilight e True Blood, non si può sentire e tanto meno vedere. Kevin Munroe, infine, ci mette il suo nome e poco altro: porta a casa la brutta copia di un film mal riuscito tenuto insieme, scena dopo scena, da una voce narrante che prova a coprire tutti i buchi di una sceneggiatura imbarazzante scritta con i piedi. Una roba che neanche gli antiemetici dell' Ispettore Bloch ti risparmiano dai conati, Giuda ballerino!!!
Produzione: Universal
Produzione: Universal
La commedia adolescenziale "Made in Japan" si basa spesso su di un certo tipo di comicità e su meccanismi risaputi, ma soprattutto triti e ritriti, che ne pregiudicano la totale riuscita o che riescono a buttare alle ortiche anche le buone idee di partenza. Oppai Bare non fa eccezione anche se bisogna dire che si mantiene comunque su livelli medio alti rispetto ad altre pellicole simili. Il tutto nasce da un efficace idea di partenza, tra l'altro ispirata a fatti realmente accaduti, e cioè quella di un' insegnante che per spronare uno scalcinato club di pallavolo maschile, i cui iscritti hanno una fissa totale per le forme femminili, finisce per promettere di mostrare loro il seno nel caso riuscissero a vincere almeno una partita. Non ci si faccia ingannare da questo però perchè in Oppai Bare la tematica sportiva riveste un ruolo secondario ma in compenso gli altri elementi base ci sono tutti: ambientazione scolastica con annessa fase di crescita e "passaggio", amicizia e la scoperta degli oscuri ma invitanti misteri delle grazie femminili e del sesso. Tutto fila liscio fino a quando non inizia la parentesi sul doloroso passato dell' avvenente protagonista, dal quale pensa di essere riuscita a scappare ma che puntualmente la raggiunge. Una prevedibile svolta che definire "drammatica" sarebbe esagerato, ma che punta ad essere lacrimevole risultando soltanto una forzatura malriuscita. A parte questo però il film diverte, non abbastanza da perdonare quella involuta parentesi, ma almeno per ricordarlo con piacere, e questo grazie ai giovani protagonisti e ad una serie di gag davvero riuscite come quella che apre la pellicola.
Davvero particolare il caso di The Hurt Locker, presentato al Festival di Venezia nel 2008, uscito nelle sale italiane nell' ottobre dello stesso anno ma stranamente snobbato in patria fino ad un recupero dell' ultimo minuto per portarlo agli oscar 2010 e mettere la regista Kathrin Bigelow in confronto diretto con l'ex coniuge James Cameron ed il suo Avatar. Indipendentemente dai sospetti di mossa abilmente calcolata che sorgono in maniera più che naturale, appare poco intelligente la scelta di tenere un film così attuale in una sorta di limbo distributivo (molto comune dalle nostre parti), soprattutto considerato il tema trattato, una ferita apertissima e sanguinante come la guerra in Iraq. La regista americana sceglie di affrontare l'argomento da una certa distanza e allo stesso tempo immergendosi completamente nel teatro del conflitto. In The Hurt Locker la guerra è raccontata senza retorica ma anche senza un particolare approfondimento o riflessione. La Bigelow preferisce mostrare la guerra in Iraq nuda e cruda e per farlo sceglie il punto di vista di una squadra di artificieri all' opera quotidianamente per sventare attentati o disarmare esplosivi, scandito da un conto alla rovescia che segna il momento in cui saranno sostituiti da una nuova squadra. Un particolare che amplifica il senso di attesa che pervade tutto il film e che la Bigelow gestisce da un punto di vista registico con soggettive attraverso la visiera di una tuta per artificieri o dall' immagine di un'uomo, solo in una piazza, poco prima di esplodere. Nonostante un uso preponderante di macchina a spalla, quello che colpisce di The Hurt Locker è l' immobilità generale nel caos, il silenzio piuttosto che la deflagrazione. Una rappresentazione del conflitto sicuramente coraggiosa anche se non sempre sicura (la parentesi del soldato che cerca la casa del bambino che crede morto stona un po' con il resto), discutibile ma di sicuro effetto.
"E' un' arte, non una scienza esatta!" esclama Rango nel tentativo di mimetizzarsi alla vista di un famelico rapace, abilità che non gli riesce molto bene visto che il suo destino non è confondersi con lo sfondo ma emergere, trovare il suo posto e la sua parte all' interno del racconto. Una ricerca di identità, quella di Rango, che sembra poter raccogliere in senso più ampio quella del cinema d' animazione tutto, desideroso di scrollarsi di dosso il pregiudizio che lo vuole inquadrato principalmente per un pubblico di giovanissimi, mentre dimostra invece una maturità che sembra crescere in maniera direttamente proporzionale al progresso delle tecnologie impiegate per realizzarlo. In questo senso il film di Verbinsky trova la sua identità nel cinema western tanto da poter essere considerato senza alcun dubbio, un western d'animazione. Rango è un film che sa dove e quando giocare con il genere, divertendo(si) con citazioni e clichè, ma che riesce a catturarne con serietà e senza tanti fronzoli il momento del suo tramonto, toccando vette di cinema con la "C" maiuscola in tanti momenti, uno su tutti l' incontro del protagonista con lo Spirito del West. Come i migliori e più recenti film d'animazione, tra i quali lo si può annoverare senza sforzo, Rango è tecnologicamente al passo coi tempi, una meraviglia visiva perfettamente bilanciata, in grado di essere apprezzata sia dallo spettatore occasionale che dal cinefilo più esigente (le citazioni extra-western si sprecano, tra l'altro). Verbinsky dopo remake e blockbusteroni a tema piratesco, si conferma regista capace e di grande versatilità ed è bello, per chi ama l'animazione, constatare la nascita di nuove realtà occidentali in grado di affiancare colossi come Pixar e Dreamworks senza rimanere nella loro ombra
Una coppia di lesbiche, sposate e con due figli avuti attraverso l'inseminazione artificiale, sono il nucleo familiare che ci viene presentato nei primi minuti di I Ragazzi Stanno Bene (The Kids Are All Right) uno di quelli da far sbiancare tanti ben pensanti e bigotti presenti, ahimè, nel nostro Bel Paese che si dimostra, a dir la verità, sempre meno bello ma soprattutto arretrato culturalmente, arroccato dietro la difesa di una normalità che ha assunto oramai significati unicamente discriminatori. Ma che cos' è la normalità? Con il suo film Lisa Cholodenko rende la ricerca di una definizione calzante, quanto mai inutile perchè la famiglia di I Ragazzi Stanno Bene, certamente lontana dalla visione unilaterale imposta spesso e volentieri dai dettami religiosi, ne possiede comunque tutte le caratteristiche: c'è il coniuge "dominate" (bravissima Annette Benning) e quello che si adegua e si sacrifica (la sempre bellissima Julianne Moore). C'è la figlia diciottenne desiderosa di indipendenza pronta ad andare al college (Mia Wasikowska) e quello quindicenne trascinato da amicizie poco felici. Come in qualsiasi altra famiglia le dinamiche tra i suoi membri sono regolate da meccaniche ben oliate ma che nascondono dietro un apparente equilibrio tutta la loro fragilità. Ed è proprio quando nel quadro entra il padre "genetico" dei ragazzi (Mark Ruffalo), scapolo per scelta che si scopre desideroso di legami più solidi di quelli avuti fino a quel momento, che il baricentro si sposta e l'equilibrio si perde. La Cholodenko affronta l' argomento con molta intelligenza facendo si che l'attenzione non si focalizzi sulle scelte sessuali delle protagoniste ma su quanto possano essere pieni di gioie e sofferenze i legami familiari, facendone un ritratto bello, sentito e universale nella sua unicità.
Contrariamente a quel che poteva sembrare leggendo i nomi importanti presenti nel cast, Easy Girl ha una sola e unica protagonista, Emma Stone. Certo, bravissimi Stanley Tucci e Patricia Clarkson nel ruolo dei genitori alternativi e libertini. Bravo anche Thomas Hayden Church con il suo professore di letteratura aperto ed autoritario al tempo stesso. Ma dopo diversi ruoli secondari ora la scena è davvero tutta sua e meritata: occhi grandi e azzurri, splendido sorriso, Emma Stone incarna perfettamente la protagonista Olive, ragazza intelligente, assennata, con la battuta sempre pronta ma dalla vita sociale praticamente nulla. Tutto si ribalta quando una bugia detta senza pensarci troppo si trasforma in un gigantesco gossip scolastico che attira improvvisamente tutte le attenzioni su di se, un lampo di popolarità che decide di sfruttare a suo vantaggio. Con espliciti riferimenti a "La Lettera Scarlatta" (peccato che quello presente nel titolo originale si perda nell' adattamento del titolo in italiano) e con un occhio quasi nostalgico alla commedia anni' 80 di John Hughes, il film di Will Gluck racconta quanto poco basti (in questo caso un pettegolezzo) a fare a pezzi le facciata di perbenismo dietro cui le persone si riparano, pronte a giudicare per non essere giudicati. La cosa che maggiormente funziona di Easy Girl è il modo in cui la protagonista reagisce costruendo, anche con buone intenzioni, un castello di bugie prima, ma cercando di ottenerne un tornaconto economico poi, fino a che tutto crolla e ne rimane schiacciata. Will Gluck mette in moto un processo di svecchiamento della commedia che passa attraverso l' aggirare certi clichè del genere o ridicolizzare abusati stereotipi e anche se nel finale si va un po' troppo a colpo sicuro allontanandosi da questo atteggiamento "contro", Easy Girl è un film che sarebbe un peccato sottovalutare anche in virtù di una colonna sonora mica da buttare.
Come i pesci preistorici risalgono da un anfratto apertosi sul fondo di un lago, anche Piranha di Alexandre Aja sembra provenire da un' epoca remota dove i film di "serie B" avevano la sfrontatezza di rivaleggiare con quelli mainstream. Ancora oggi si fa cinema di serie B ma quanti di questi film prodotti per il mercato home video saranno ricordati nei prossimi, esagerando, dieci anni? Il regista francese, ormai adottato da Hollywood, prosegue nel suo percorso cinematografico con l' ennesimo remake questa volta seguendo il sentiero battuto dal grande Joe Dante e imbastendo un film decisamente mainstream (soprattutto considerato il budget) ma che mette in mostra fin da subito la sua vera anima: il nuovo Piranha è un B-Movie da multisala orgoglioso di esserlo e ce lo ricorda ogni suo fotogramma, l' inconsistenza dei personaggi (stranamente rimangono più impressi i cameo di Christopher Lloyd, Richard Dreyfuss e Eli Roth che altri) o nella quantità impressionante di grazie femminili regalate al pubblico pagante compensate da litri e litri di sangue che verranno versati nelle, una volta, placide acque del Lake Victoria. Perchè Aja non dimentica cosa si cerca in questo genere di film e dopo un paio di succosi antipasti ci presenta la portata principale, una sequenza di massacro enorme, un banchetto sontuoso atteso per milioni di anni che si consuma in pochi ma intensissimi minuti e che mettono in mostra tutta la bravura negli effetti visivi del grande Greg Nicotero. Aja guarda rispettosamente al passato ma pensa al futuro: nel suo Piranha non si tira fuori una sorta di vendetta ecologica ma è tutto molto gratuito e forse per questo molto più godibile. Senza parlare poi dell' uso del 3D, volutamente inserito in post produzione per il puro gusto di sbattere in faccia allo spettatore soprattutto quello che non si aspetta. Vedere il film per scoprire cosa.
Il cinema americano è sempre stato molto interessato alle storie legate alla box, sia quelle di personaggi fittizi (Rocky o Million Dollar Baby) che quelle prettamente biografiche (Toro Scatenato o Alì). Tra queste ultime rientra certamente anche quella di Miky Ward e del fratellastro Dick Eklund, una storia sportiva ma soprattutto di rivalsa personale che nasce in uno dei tanti sobborghi americani dove i legami familiari pesano come macigni e, anche se apparentemente ti sostengono, in realtà ti trascinano a fondo. In tutto questo la box è come il ramo a cui aggrapparsi per uscire dalle sabbie mobili, ma per Miky tenersi stretto a quell’ appiglio non sarà facile costretto a tagliare fuori la sua famiglia per avere una possibilità di diventare pugile professionista. Una storia di rivalsa si diceva ma anche di redenzione che coinvolge in parallelo anche Dick, la cui nascente carriera di pugile è stata presto soffocata dall’ uso di droghe, raccontata da David O' Russel in maniera un po' furbetta, calcando la mano su quegli aspetti con cui è più facile fare leva sulle emozioni degli spettatori (l' odiosissima famiglia allargata di Miky e Dick o la sofferta rottura e il prevedibile riavvicinamento con i propri legami di sangue) come d'altronde è facile aspettarsi da film biografici dall' anima così prepotentemente americana. Il lato sportivo scandisce il percorso personale e professionale del protagonista ma O' Russel non sembra interessato a renderlo un tratto distintivo del film ne a mettere negli incontri sul ring una particolare impronta registica, preferendo un taglio decisamente televisivo quasi a voler richiamare alla mente immagini di repertorio. Spostando l'attenzione sulle interpretazioni le cose si fanno decisamente più interessanti e se da una parte c'è un cast femminile su cui svettano Melissa Leo ed Amy Adams, in quello maschile troviamo un Mark Whalberg dimesso e compassato come il personaggio che interpreta richiede. Ma a sorprendere è soprattutto la bravura di Christian Bale che si cala nei panni di un personaggio problematico come Dick Eklund lavorando sopratutto sul proprio corpo, mimica, gestualità e perdita di peso compresi, dimostrandosi ancora una volta attore versatile e completo.
Dagli Stati Uniti all' Inghilterra per il regista John Landis, da troppo assente dalle sale, per una produzione cinematografica britannica che ruota attorno a fatti realmente accaduti e personaggi realmente esistiti (anche se veniamo preventivamente avvisati che è tutto vero tranne quello che non lo è) nella Edimburgo del 1800, culla dei progressi medici in campo chirurgico, dove due imbroglioni alla ricerca di facili guadagni trovano il modo per fare soldi procurando cadaveri alla scuola di medicina. Dopo aver iniziato trovando la materia prima in maniera, per così dire, fortuita, i due si trasformeranno in veri e propri assassini seriali per tener vivo il businnes ed il loro nuovo tenore di vita. Un film che ruota interamente intorno alla morte non poteva che essere intriso, dall' inizio alla fine, da un umorismo nero, nerissimo, divertente e adeguato a questa storia dove, dal più povero fino al più illustre professore, tutti sono disposti a mettere da parte la propria moralità per il proprio tornaconto. Davvero azzeccata e convincente la "strana" coppia di protagonisti, i due William, diversi e perciò uno complementari l' uno all' altro come da copione, discorso che vale anche per il duo di attori che li interpretano, Simon Pegg e Andy Serkis. E' cosa certa che, per quanto valido, questo Burke & Hare difficilmente potrà diventare un cult generazionale ne conquistare nuove schiere di cinefili come potrebbero fare a tutti gli effetti i suoi primi film. E' vero anche però che il ritorno sul grande schermo di un grande come John Landis è sempre una cosa gradita.
Caduta ed ascesa (letterale e figurata) di un giovane alpinista americano che, nel 2003, durante una delle sue escursioni solitarie finisce in un crepaccio con il braccio bloccato tra una parete rocciosa ed una masso. Dopo cinque giorni, rimasto senza ne acqua ne viveri, prende con lucidità la decisione di amputarsi il braccio e riesce così a mettersi miracolosamente in salvo. La vera storia di Aron Ralston, raccontata nel suo libro "Between a rock and an hard place", deve aver catturato particolarmente l' attenzione del regista britannico Danny Boyle, tanto da spingerlo a dirigerne un film che ne racconta le drammatiche 127 ore in cui rimase intrappolato. Un film che segue di pochi anni quel Into The Wild di Sean Penn e con il cui protagonista Chris McCandless, Aron Ralston ha qualcosa in comune, quel desiderio, forse egoistico o forse solo dettato dalla necessità, di isolarsi dagli affetti e di rimanere soli sperando di trovare nella natura, nei paesaggi (quasi) incontaminati, l'unica compagnia di cui hanno bisogno. Faccia a faccia con la morte, entrambi si rendono conto che la solitudine non è la soluzione ma, mentre Chris non ha modo di rimediare, Aron lascia il vecchio se stesso sul fondo di quel crepaccio insieme al suo avambraccio destro. Amputazione in primis, 127 Ore è un film che attribuisce a gran parte dei suoi elementi, sopratutto quelli ambientali che circondano e costringono il protagonista, ma anche sonori (l' urlo muto che si trasforma in una sorta di primo vagito) un forte significato simbolico per sottolineare il suo percorso di redenzione attraverso la "morte" e la "rinascita". James Franco si cala in questo personaggio con maestria e pur essendo immobile per gran parte del film riesce ad emozionare sinceramente con la sua interpretazione. Discorso diverso per quel che riguarda la regia: Danny Boyle sceglie al solito un approccio molto particolare, puntando su di un impatto visivo quasi da videoclip nella parte iniziale e finale, con virate oniriche nella parte centrale fino al lucidissimo e quasi insostenibile momento dell' amputazione. Una scelta, quella di Boyle, che da al film un ritmo mai calante (e non è poco considerato che per il 90% si svolge in un crepaccio) ma lo stridore, ricercato con una certa insistenza, con il quale si incontrano i vari registri visivi (specie quello iniziale, forse eccessivo e superfluo nel giocare con split screen e "sovrapposizioni" di media diversi) solleva non pochi dubbi sulla bontà e l' onestà dell' operato del regista britannico.
